Por Uma Vida Melhor

Por Uma Vida Melhor (Away We Go) - 2009. Dirigido por Sam Mendes. Escrito por Dave Eggers e Vendela Vida. Direção de Fotografia de Ellen Kuras. Música Original de Alexi Murdoch. Produzido por Peter Saraf, Edward Saxon e Marc Turtletaub. Focus Features. / EUA | UK.

 

Sempre acreditei e defendi que no tocante à música a nossa época seria lembrada por aquilo que está sendo produzido na cena underground e não pelos produtos comercias do mainstream. Os independentes têm a vantagem de não estarem submissos a padrões criativos e estéticos impostos pela indústria, o que favorece a criatividade e a originalidade de seus trabalhos. Cada vez mais me convenço que tal fenômeno, que observo no meio musical, também vale para o cinema. Algumas das melhores obras que assisti nos últimos anos tiveram origem na prolífera cena indie, que tem rompido fronteiras e, graças às novas tecnologias, está presente até mesmo em países que não tinha até então nenhuma tradição no meio. Alheios às megalomanias hollywoodianas, os filmes indies têm conquistado público e ganhado cada vez mais espaço em circuítos maiores. E não é de se estranhar que mesmo realizadores já renomados escolham uma volta ao básico, a um tipo de modelo de produção no qual a liberdade de criação conta mais que o sucesso de bilheteria. 

Por Uma Vida Melhor (2009) (também lançado no Brasil com o título de Distante nós Vamos), o quarto longa de Sam Mendes, é um exemplo perfeito do nível de qualidade que a cena indie tem alcançado, ele é um dentre muitos filmes que podem justificar a premissa que expus acima, a de que a relevância destas obras ainda será apontada no futuro como um dos melhores aspectos do cinema contemporâneo. O longa consegue mesclar a leveza e a despretensiosidade, características marcantes deste estilo de filmes, com a direção precisa de Sam Mendes e um roteiro muito bem escrito. O resultado disso no entanto não é um sucesso imediato de bilheteria e sim um filme simples, delicioso de se assistir e dotado de uma inteligencia tamanha, que pode fazer com que os mais despercebidos não compreendam que estão diante de uma pungente crítica ao “way of life” americano, o que em se tratando de Sam Mendes já era bem esperado. O diretor estaria se repetindo? De forma alguma!

 

Em Por Uma Vida Melhor, Mendes retrata novamente a realidade de uma família nuclear americana, mais uma vez o ideal do sonho americano é o alvo das críticas que seu filme tece. Se em Foi Apenas um Sonho (2008) o foco está sobre uma família que tem tudo aquilo que a sociedade considera necessário para ser feliz e não o consegue ser, desta vez o centro da trama é um casal que não tem nada disso e está a procura de algo que lhe possa trazer realização. Ambos estão um pouco frustrados por considerarem que suas vidas se estacionaram e que eles não chegaram nem perto do ideal comum de felicidade, que se sentem pressionados a alcançar. Burt (John Krasinski – o Jim do seriado The Office) é um analista financeiro que trabalha no ramo de seguros e Verona (Maya Rudolph – ex-Saturday Night Live) ganha a vida como ilustradora de livros de anatomia, ambos trabalham em casa. Na primeira sequência do filme, Burt descobre da maneira mais improvável possível que Verona está grávida. Um corte e já nos deparamos com Verona no sexto mês de gravidez.

 

Burt e Verona se vêm sozinhos na missão de criar e educar o filho que está prestes a chegar, quando os pais dele, que moravam relativamente perto, decidem viajar para Bélgica e lá ficarem por dois anos. É então que o casal decide pegar a estrada, num itinerário predeterminado por Verona, para tentar reencontrar parentes e amigos e achar o melhor lugar para viver a partir de então. Como em qualquer road movie, a viagem trará experiências e autoconhecimento que irão transformar a maneira com que eles enxergam o mundo e a vida familiar. Os personagens com quem eles encontram em cada cidade por ondem passam, apesar de excêntricos e caricatos, representam da melhor forma possível a fauna americana que habita debaixo de um mesmo teto. São diversas concepções de família e várias formas de encarar a paternidade, mas em nenhuma delas Burt e Verona conseguem se encontrar, tal processo mostrado no filme, funciona como uma desconstrução do sonho americano e de toda a concepção deturpada que se tem da vida conjugal e da relação com os filhos.

 

O roteiro de Por Uma Vida Melhor é simplesmente magnífico e faz com que nós expectadores experimentos diversas emoções durante a exibição. Este é um daqueles filmes raros, cujas cenas conseguem nos fazer rir e chorar ao mesmo tempo, tamanha sensibilidade. O longa está repleto de sequências hilárias e memoráveis, como uma na qual uma mãe aponta os defeitos do próprio filho e diz que a filha de 12 anos parece "sapatão", ou na ótima cena que envolve um casal que leva uma vida “alternativa” e um carrinho de bebês... A angulação dramática do filme vem à tona em excelentes diálogos entre os personagens, como na cena em que Burt e Verona conversam sentados em uma cama elástica, à noite no jardim da casa do irmão dele em Miame. Em uma outra passagem, um personagem secundário, que levava uma vida aparentemente feliz, lamenta: “Pessoas como nós esperam até os 30 anos e aí se surpreendem quando fica difícil fazer filhos. E a cada dia, outro milhão de garotas de 14 anos ficam grávidas sem tentar”. Como não ver neste tipo de declaração a falência da família como instituição e consequentemente a do sonho americano?

 

No final das contas, percebe-se que tudo não passa de hipocrisia a aparências, que na verdade é o que guia a sociedade americana (e a nossa por tabela) e o que Sam Mendes vem criticando desde Beleza Americana (1999). Ao contrário dos outros longas do diretor, este é alegre e chega a ser otimista, mesmo tocando em temas por vezes tão dolorosos. A história nos ajuda a compreender que a felicidade verdadeira está bem longe de qualquer ideal materialista e consumista. Entendemos então que os personagens não precisam estar casados, não precisam ter os melhores empregos do mundo, não precisam ter filhos perfeitos e não precisam atingir alguma meta imposta para alcançarem a felicidade, pois a felicidade está nas coisas mais simples da vida, como voltar ao passado e perceber que tudo está surpreendentemente diferente e que o presente precisa apenas ser vivido com a maior intensidade possível! A alegoria da árvore que não dava frutos, enfeitada pelas crianças com frutos falsos, é perfeita para ilustrar a ilusão da qual os personagens tentam escapar, ilusão esta que o cinema indie consegue superar com maestria inigualável.

 

Já poderia ter concluído esta resenha do filme, mas não posso deixar de comentar outros aspectos que o tornaram uma obra tão especial. A trilha sonora é apaixonante e está em perfeita sintonia com aquilo que o filme está tentando nos dizer sobre a simplicidade. Os enquadramentos e movimentos de câmera são muito bons, preste atenção na cena em que os personagens deslizam em uma esteira de um aeroporto, ou no enquadramento e fotografia da cena seguinte em que eles aparecem já no avião... O maior destaque, no entanto, fica por conta das atuações de John Krasinski e de Maya Rudolph, eles criaram tipos comuns, porém cheios de empatia, que nos parecem tão familiares e verdadeiros, ambos estão ótimos em seus personagens e conseguem nos cativar ainda mais à medida em que vamos os conhecendo melhor no decorrer do filme... Se você tiver uma oportunidade de assistir a este filme, não a perca! Por Uma Vida Melhor tem a beleza e a sensibilidade que raramente pode ser encontrada no cinema espetáculo! Ultra recomendado!

Assistam ao trailer de Por Uma Vida Melhor no You Tube,

clique AQUI !

Confiram também aqui no Sublime Irrealidade a resenha crítica de 

Foi Apenas um Sonho (2008), o terceiro longa de Sam Mendes.

.

O Império dos Sentidos

O Império dos Sentidos (Ai no korîda, 愛のコリーダ) - 1976. Escrito e Dirigido por Nagisa Oshima. Direção de Fotografia de Hideo Itoh. Música Original de Minoru Miki. Produzido por Anatole Dauman. Argos, Oshima e Shibata. / Japão | França.

 

Nem consigo imaginar a reação das plateias que assistiram o polêmico filme O Império dos Sentidos (1976) na tela grande, quando ele estreou nos já longínquos anos setenta. O diretor japonês Nagisa Oshima, responsável pela obra, já tinha uma carreira consolidada e uma reputação construída dentro do movimento que ficou conhecido como Nuberu Bagu (a Nouvelle Vague japonesa), quando adaptou para o cinema uma história real acontecida no Japão na década de trinta. A película foi ousada ao recorrer a cenas de sexo explícito, que fazem a clássica cena “da manteiga” de O Último Tango em Paris de Bertolucci parecer coisa de novela das seis. O erotismo escancarado está presente do início ao fim do filme, o que me levou a questionar em alguns momentos o porque de ele não ser rotulado como um simples pornô, uma vez que este gênero já existia e tinha adeptos desde os primórdios do cinema.

Cheguei à uma conclusão apenas após o final da exibição. De fato eu não tenho como analisar um filme sem considerar o contexto cultural no qual ele foi produzido, fazer isso, principalmente neste caso, seria uma verdadeira injustiça. A época em que a película foi rodada era um período de intensas mudanças, de contestação e de liberação dos costumes. Quem ainda não o assistiu pode achar, pelo que estou dizendo, que O Império dos Sentidos é uma exaltação de tudo isso que aquelas décadas representaram, mas definitivamente não o é, e isso é algo que o diferencia de um pornô qualquer. Explico, Oshima, ao que me parece, não estava interessado em despertar a libido dos apreciadores da pornografia tradicional, o que ele pretendia era justamente chocar os cinéfilos comuns que tinham pouca, ou nenhuma, afinidade com o gênero.

 

Como já mencionei, a trama de O Império dos Sentidos é inspirada em um acontecimento real que chocou o Japão em 1936. Na história contada no filme, uma jovem prostituta, Sada (Eiko Matsuda), se muda para a casa de Kichi-Zo (Tatsuya Fuji) após a falência e endividamento de seu antigo amante. Kichi-Zo é casado e vive cercado de gueixas e serviçais, no entanto ele ignora isso e não tenta esconder a relação que começa com a nova empregada. Alheio a tudo que está acontecendo às suas voltas, ambos se entregam a uma paixão carnal avassaladora. O ato sexual é explorado pelo casal em todas as suas possibilidades e, tal como uma droga, ele vai consumindo ambos. Imersos em jogos sexuais que parecem não ter fim, eles transam sem se importar com gueixas e outras empregadas que os observam, algumas vezes ignorando, em outras assustados e constrangidos.

 

À medida que o filme vai se aproximando do fim, a tragédia iminente vai se materializando e as cenas vão ficando mais pesadas e indigestas. Em uma das cenas mais contundentes, alimentos são inserido na vagina da mulher para depois serem ingeridos... bizarro não? Pois acreditem, o final é mais bizarro ainda, assustador por nos lembrar que algo similar realmente aconteceu um dia. Não sei se tenho a resposta para quem me questionar o porquê deste filme figurar na maioria das listas de melhores ou mais importantes obras da história da sétima arte, mas acredito que quem se dispuser a vê-lo com um olhar que vá além das cenas de sexo, enxergará nele quase uma premonição de uma época de paixões fugazes e destrutivas, um tempo destituído de sentimentos e idealismos, onde prevalece apenas a sensação e o imediatismo. 

 

Além da forte carga erótica que o estigmatizou, o filme trás excelentes atuações, aspecto que o distancia ainda mais de um pornô comum, e uma história que consegue escapar da superficialidade, na qual poderia ter se perdido. Numa análise ainda mais profunda, a obra pode ser tida como uma contestação contra o consumismo e o materialismo que vinha tomando conta do país desde o final da segunda guerra, com a influência cultural norte americana. O cunho nacionalista, que se esconde na trama do filme, fica evidente em uma sequência em que Kichi-Zo caminha apressado pela rua no sentido oposto dos soldados que marcham, no que seria um prelúdio da entrada no Japão na segunda guerra, alheio a tudo isso o personagem só quer chegar em casa e dar continuidade aos jogos sexuais que o levarão à sua própria destruição. Eu, que cheguei a dormir durante a exibição (o que não é comum, mesmo nos filmes mais lentos), acho que não o incluiria na minha lista de filmes indispensáveis, no entanto não posso ignorar que talvez ele realmente seja um dos melhores filmes eróticos de todos os tempos!

Assista ao trailer de O Império dos Sentidos no You Tube, clique AQUI !

.

Vencedores do Emmy Awards 2011

 

A entrega dos prêmios da 63° edição do Emmy aconteceu ontem no Teatro Nokia em Los Angeles. A cerimônia não teve grandes surpresas, Modern Family e Mad Men confirmaram o favoritismo e levaram os prêmios de Melhor Série de Comédia e de Drama, respectivamente. A primeira pode ser considerada a grande vencedora da noite, por ter levado outros dois dos prêmios principais, o de Melhor Atriz Coadjuvante de Comédia (Julie Bowen) e o de Melhor Ator Coadjuvante de Comédia (Ty Burrel). A minissérie Mildred Pierce, outra dentre as favoritas, foi a vencedora em cinco das 21 categorias nas quais fora indicada, dentre elas a de Melhor Atriz em Minissérie ou Filme para TV (Kate Winslet - mais que merecido) e a de Melhor Ator Coadjuvante em Minissérie ou Filme de TV (Guy Pearce). Se eu tivesse que apontar uma injustiça nesta edição (tarefa difícil uma vez que não conheço todos os indicados), esta seria a não premiação de Steve Carrel na categoria de Melhor Ator de Comédia, ele não venceu em nenhuma das cinco vezes em que fora indicado ao prêmio e esta foi sua última oportunidade de recebê-lo pela sua excelente atuação como o excêntrico Michael Scott de The Office, esta foi sua última temporada na série. 

Vamos então à lista completa dos vencedores das principais categorias:

Melhor série dramática: Mad Men

Melhor série de comédia: Modern Family

Melhor ator em série dramática: Kyle Chandler, por Friday Night Lights

Melhor atriz de série dramática: Julianna Marguiles, por The Good Wife

Melhor ator de série de comédia: Jim Parsons, por The Big Bang Theory

Melhor atriz de série de comédia: Melissa McCarthy, por Mike & Molly

Melhor ator coadjuvante de série dramática: Peter Dinklage, 

por Game of Thrones

Melhor atriz coadjuvante em série de drama: Margo Martindale, 

por Justified

Melhor ator coadjuvante em série de comédia: Ty Burrel, 

por Modern Family

Melhor atriz coadjuvante em série de comédia: Julie Bowen, 

por Modern Family

Jim Parsons (The Big Bang Theory)

Melhor roteiro de série dramática: Friday Night LightsMelhor direção de série dramática: Martin Scorsese, por Boardwalk Empire

Melhor direção de série de comédia: Michael Spiller, por Modern Family

Melhor roteiro de série de comédia: Steve Levitan e Jeffrey Richman, 

por Modern Family

Melhor minissérie ou filme para TV: Downtown Abbey

Melhor ator em minissérie, série ou filme de TV: Barry Pepper, 

por The Kennedys

Melhor atriz em minissérie ou filme para TV: Kate Winslet, 

por Mildred Pierce

Melhor ator coadjuvante em minissérie ou filme de TV: Guy Pearce, 

por Mildred Pierce

Melhor atriz coadjuvante em minissérie, série ou filme de TV: Maggie Smith, 

por Dowron Abbey

Melhor direção de minissérie, filme ou especial dramático: Brian Percival, 

por Downtown Abbey

Melhor roteiro de minissérie, filme ou especial dramático de TV: 

Downton Abbey

Kate Winslet (Mildred Pierce)

The Daily Show, com Jon StewartMelhor programa de variedades, musical ou comédia: 

Melhor roteiro para programa de variedades, musical ou comédia: 

The Daily Show, com Jon Stewart

Melhor direção de programa de variedades, musical ou comédia: Don Roy King, 

por Saturday Night Live

Melhor reality show ou programa de competição: The Amazing Race

Asas do Desejo

Asas do Desejo (Der Himmel Über Berlin) - 1987. Dirigido por Wim Wenders. Escrito por Wim Wenders e Anatoule Dauman, inspirado pela obra poética de Rainer maria Rilke. Direção de Fotografia de Henry Alekan. Música Original de Jürgen Knieper. Produzido por Anatole Dauman e Wim Wenders. Argos, Road Movies e WDR. / Alemanha Ocidental | França.

 

A Alemanha estava completamente devastada ao final da 2° guerra mundial, com o término do conflito bélico um período de reconstrução interna se iniciara. De fato era um recomeço, o país precisava se reerguer fisicamente, economicamente e politicamente. A reestruturação no entanto era relativamente simples perto daquilo de mais valioso que a nação perdera, sua identidade. Isto já havia acontecido ao final da primeira guerra, o que forjara o contexto ideal para que Hitler chegasse ao poder, o ditador criara então uma pseudo identidade para o povo Alemão, baseando-se em princípios absurdos de superioridade racial. Com a derrocada da ideologia nazista, a Alemanha experimentou pela segunda vez esta crise de identidade, que ainda seria intensificada em 1949, com a divisão do país em quatro zonas de ocupação militar. As três zonas a oeste viriam a formar a República Federal da Alemanha, que se estabeleceria como um regime capitalista, enquanto a área a leste, ocupada pela União Soviética, se tornaria a República Democrática da Alemanha, e se firmaria como um estado comunista.

Os reflexos da situação política e econômica da Alemanha podem ser observados na produção cinematográfica do país das décadas seguintes. A partir dos anos 50, com o início da guerra fria, a Alemanha ocidental passaria a receber uma influência bem mais acentuada da cultura norte-americana, e nomes do cinema clássico dos Estados Unidos serviriam de base para obras de cunho mais autoral, que começavam a ser produzidas no país. Os gênero Noir e o Western foram a inspiração para o Manifesto de Oberhausen, escrito por alguns daqueles que seriam o precursores do Novo Cinema Alemão, que se propunha a recriar a produção cinematográfica do país a partir do zero, se livrando assim dos fantasmas do passado e recriando uma nova identidade artística para o país. Mas este movimento não foi só um resultado da influência americana, foi também um reflexo do que já estava acontecendo ao redor do mundo com o desbunde cultural da década de 60. Características semelhantes, além do conceito de “cinema de autor”, podem ser observadas também no Cinema Novo do Brasil, no British New Cinema da Inglaterra e na Nouvelle Vague Francesa.

 

Os três principais expoentes do Novo Cinema Alemão foram Werner Herzog (diretor de Fitzcarraldo), Rainer Wener Fassbinder e Wim Wenders. Wenders, diferente dos outros dois, não se contentou em apenas desconstruir o modelo de cinema hollywoodiano, que tinha até então como influencia. Após conquistar o prestígio como um dos mais importantes realizadores de seu tempo, ele decidiu se aventurar cá do outro lado do atlântico, no entanto sua tentativa de ser comercial resultou em obras apontadas como “menores” pela crítica especializada e pelo público que o respeitava pelos seus primeiros trabalhos. Demorou para que Wenders reconhece o erro que fizera ao tentar se “vender”. Depois de uma sequência de trabalhos mal sucedidos esteticamente e comercialmente, ele percebeu que seu valor estava era justamente na forma poética e nada comercial com que ele retratara o consciente coletivo alemão do período pós-guerra. Asas do Desejo (1987) é considerado uma das obras primas do diretor e foi produzido na fase que antecede o período hollywoodiano de sua carreira. Com nítidas influências do romantismo (escola literária surgida na Alemanha), o filme se mostra como uma belíssima alegoria de Berlin no período da guerra fria.

 

No filme, dois anjos Damiel (Bruno Ganz) e Cassiel (Otto Sander) atual como vigilantes, ou anjos da guarda da cidade. Eles podem escutar os pensamentos angustiados das pessoas à sua volta e, apesar de não poderem interferir nos acontecimentos, eles tentam oferecer uma espécie de conforto espiritual aos necessitados. A presença dos anjos só é sentida por crianças e por cegos, de alguma forma estes conseguem ver além das ruínas, que são as únicas coisas que os demais conseguem enxergar. O conflito da história se inicia quando Damiel se apaixona pela trapezista Marion (Solveig Dommartin), a quem ele tentara confortar. Após conhece-la, ele passa a se sentir um ser cada vez mais limitado por não ter a capacidade de sentir aquilo que os homens sentem. A ausência do sentimento do mundo sob a perspectiva dos anjos é mostrada através de uma belíssima fotografia em preto e branco, que se diferencia da visão dos humanos, onde o mundo pode ser percebido em todas as suas cores. Para viver sua paixão e experimentar aquilo que tanto anceia, Damiel tem que negar sua imortalidade e assumir a condição humana.

 

Paralelamente à história protagonizada pelos anjos, vão sendo desenvolvidas tramas menores, que se materializam apenas pelo pensamento de uma pessoa de quem um dos anjos está cuidando, ou pela perspectiva dos personagens secundários, dentre eles o ator Peter Falk (que interpreta a si mesmo), o velho poeta Homero, que raramente sai de uma biblioteca pública e a própria Marion que está profundamente angustiada. Tal como Bergman em O Sétimo Selo (1956), Wenders recorre à arte circense para representar um fio de esperança e de felicidade que resta à humanidade em um mundo tão hostil. Na trama Marion perde até isso e seu estado psicológico desperta em Damiel a urgência da decisão que precisa tomar. O conflito vivido pelo personagem reside no egoísmo que seus desejos representam, uma vez que ao se tornar humano ele não poderá mais ajudar a todos (não é por acaso que ambulância passa em disparada logo após ele acordar em sua nova condição). Em uma das sequências mais memoráveis do filme, Peter Falk sente a presença de Damiel e começa um diálogo (na verdade um monólogo) com ele. O ator o fala sobre os pequenos prazeres da vida humana pela qual ele pode optar, o de desenhar, o de fumar um cigarro tomando café, o de tomar um banho, o de ser barbeado...

 

Após a decisão, já preanunciada, de abdicar da imortalidade, Damiel se depara com o mesmo vazio existencial que Marion experimentava, o que ele então classifica como uma doença. A trama nos propõe a seguinte reflexão: Seria este vazio inerente à condição humana? Talvez sim, mas próprio o desfecho da história nos mostra que, se não eliminado, ele pode ao menos ser amenizado. A resposta que o anjo caído encontra é a mesma buscada pelo povo alemão. Os questionamentos propostos e a resposta encontrada, conferem ao filme uma grandiosidade que poucas outras obras alcançaram e justificam cada um dos elogios que ele já recebeu... O doloroso vazio, o amor, a esperança, a saudade, a dor, o desespero, a paz... todos estes sentimentos são condensados na poética desta obra cheia de significados e analogias. Wenders construiu nos anjos uma alegoria perfeita para tecer uma observação quase onisciente sobre o consciente coletivo do povo alemão. A divisão, quase antagônica, que se dá entre o mundo dos anjos e o mundo dos homens é uma clara analogia à divisão de Berlin pelo muro.

 

Poucos filmes conseguiram a proeza de transitar por gêneros tão diferentes sem se perder na história que está sendo contada. Não seria nenhum erro classificá-lo como um romance, um drama, um road movie, ou até mesmo um filme político, pois ele trás consigo todas estas facetas, sendo cada uma delas construídas com uma habilidade narrativa e poética louvável. O desenrolar da trama é bem lento no início, isto aliado á linguagem poética dos diálogos entre os dois anjos e dos pensamentos humanos, podem afastar os desavisados já no início da exibição. Mas quem, como eu, vê nisso uma qualidade e não uma falha irá apreciar cada passagem do longa. Vale relembrar também aqui a participação especial de Nick Cave and The Bad Seeds, que aparecem tocando Fron Here to Eternity em uma cena em pub frequentado por Marion. Asas do Desejo ganhou uma continuação, Tão Longe, Tão Perto (1989) dirigida pelo próprio Wenders e um remake, Cidade dos Anjos (1998), protagonizado por Nicolas Cage e Meg Ryan, que não conquistaram nem de longe o mesmo reconhecimento. Corra atrás do original e não perca tempo com continuações e refilmagens! Recomendo!

Asas do Desejo ganhou o prêmio de Melhor Diretor no Festival de Cannes, tendo recebido também uma indicação à Palma de Ouro, o prêmio máximo do festival.

Assista ao trailer de Asas do Desejo no You Tube, clique AQUI!

.

Vencedores do Festival de Cinema de Veneza 2011

O Festival de Cinema de Veneza é um dos mais importantes do circuito mundial, a mostra visa promover o cinema internacional em seus diversos aspectos, valorizando tanto a arte, quanto o entretenimento. A 68° edição do festival aconteceu neste ano do dia 31 de agosto, ao dia 10 de setembro e foi presidida por Marco Müller. A cerimônia de premiação aconteceu no último domingo e surpreendeu parte do público e da crítica especializada que apostara no longa Carnage de Roman Polanski, que tem Christoph Waltz e Kate Winslet no elenco. O grande vencedor foi o obscuro Faust (uma livre adaptação da obra literária homônima de Goethe), do diretor russo Alexander Sukurov. Vamos à lista dos premiados:

Leão de Ouro (Melhor Filme) - Fausto de Sukurov. 

Leão de Prata (Melhor Diretor) - Shangjun Cai por

People Mountain, People Sea.

Melhor Ator - Michael Fassbender por Shame.

Melhor Atriz - Deanie Yip por A Simple Life.

Grande Prémio do Júri - Terraferma de Emmanuele Crialese.

Prémio Marcelo Mastroianni (Melhor Novo Ator ou Atriz) - Shota Sometami 

e Fumi Nikaido por Himizu.

Osella Para Melhor Roteiro - Yorgos Lanthimos por Alps.

Osella Para Melhor Fotografia - Robbie Ryan por Wuthering Heights.

Leão de Ouro do Futuro - Là-Bas de Guido Lombardi.

Prémio Cinema Europeu (Fora de Competição) - Présumé Coupable de Vincent Gareng.

Prémio Pequeno Leão de Ouro (Leoncino d’Oro Agiscuola) - Carnage de Roman Polanski.

Prémio UNICEF - Terraferma.

Prémio Francesco Pasinetti (SNGCI) - Terraferma.

Prémio Inovação Digital - Faust.

Menção Honrosa - Kotoko de Shinya Tsukamoto.

Confiram também aqui no Sublime Irrealidade a relação dos vencedores da 64° edição do Festival de Cannes,

que aconteceu em maio deste ano. Clique AQUI!

.

Guerra ao Terror

Guerra ao Terror (The Hurt Locker) - 2009. Dirigido por Kathryn Bigelow. Escrito por Mark Boal. Direção de Fotografia de Barry Ackroyd. Música Original de Marco Beltrami e Buck Sanders. Produzido por Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier e Greg Shapiro. Voltage Pictures. / USA.

 

Em quantas vezes o número de civis mortos na “guerra contra o terror” já superou o de vítimas do atentado de 11 de setembro? Esta reflexão é daquele tipo que raramente somos induzidos a fazer, afinal a grande mídia não fala disso. Hoje, dez anos após os atentados de 11 de Setembro, me pergunto se a ação “vingativa “ encabeçada pelos Estados Unidos tornou o mundo melhor e mais seguro, ou se apenas fez derramar mais sangue inocente. A proposta de combater o terrorismo com o terrorismo, como já era de se esperar, não funcionou. Saddam Hussein foi executado e Osama Bim Ladem foi supostamente morto, no entanto tais ações por si só não conseguem justificar uma guerra que assolou dois países e já deixou um incontável número de vítimas. Vítimas estas que não serão lembradas e nem terão memoriais construídos em sua homenagem. Os ataques em 2001 nos deixou perplexos e chocados, no entanto o curioso é a guerra em si não foi capaz de nos provocar o mesmo tipo de reação, é como se concordássemos e achássemos normal a barbárie do conflito, apenas pelo fato de ele estar geograficamente, culturalmente e midiaticamente distante de nós.

Pode parecer uma afirmação dura, mas o 11 de Setembro foi no mínimo conveniente para os interesses americanos. Já naquela ocasião os Estados Unidos já apresentavam indícios de que sua hegemonia econômica estava abalada. A invasão no oriente médio, além de dar ao Tio San o controle das reservas de petróleo da região, ainda reafirmariam seu poderio militar. Os atentados tinham despertado no povo americano uma sede de vingança e uma repulsa contra o mundo árabe e tudo o que ele representava. O apoio popular era o que o governo Bush precisava para tomar a iniciativa de atacar militarmente a região. A caça à Al-Qaeda justificou a invasão ao Afeganistão e pouco tempo depois a busca por armamentos de destruição em massa (que nunca foram encontrados) motivou o ataque ao país vizinho, o Iraque. Guerra ao Terror (2009) exemplifica claramente o tipo de sentimento que motivou e que tem mantido as tropas americanas no oriente médio.

 

O filme, dirigido por Kathryn Bigelow, se passa no Iraque e mostra a realidade de uma equipe do exército americano responsável pelo desarmamento de bombas. Em uma ação mostrada na primeira sequência do filme, o Sargento Matt Thompson (Guy Pearce) tenta neutralizar uma bomba, mas antes que ele consiga, ela é detonada remotamente por um homem que saia de um prédio vizinho. O militar é fatalmente ferido na explosão e para ocupar o seu posto é escalado o Sargento William James (Jeremy Renner), que já havia combatido também no Afeganistão. James tem um jeito próprio de trabalhar e não respeita as normas do trabalho em equipe, isto gera um atrito entre ele e o Sargento JT Sanborn (Anthony Mackie), que segue à risca o “protocolo”. A trama se desenvolve em torno do relacionamento entre os militares e das situações extremas que eles enfrentam. Faltam poucos dias até a data em que ocorrerá um rodízio na equipe, que culminará na dispensa de seus atuais membros. Cada um dos membros aguarda ansioso pelo dia da volta para casa e nenhum deles consegue esconder o medo da morte, que os ronda o tempo todo.

 

Apesar de acreditar que Guerra ao Terror não deveria nem ter figurado na lista dos indicados ao Oscar de Melhor Filme em 2010, penso que seja injusto afirmar que o filme é de todo ruim. As atuações são legais, a montagem é muito bem feita e ele chega a ter momentos de pura tensão, que compensam as duas horas diante da tela. O ponto fraco do filme é a história. Não tem como disfarçar o viés político e a angulação americanizada que o longa tem e isso, na minha opinião, obscurece quase tudo aquilo que ele tem de bom. Escrever um roteiro deste tipo é simplesmente subestimar a capacidade intelectual de nós espectadores, ou será que seus realizadores realmente esperavam que fossemos engolir a ideia absurda de que os americanos invadiram estes países para edificar uma democracia. O filme é do tipo que reforça a ideia preconceituosa de que cada árabe é um potencial terrorista, defendendo desta forma a existência de algum sentido em todo o conflito.

 

Em alguns poucos momentos do filme, os soldados refletem sobre a realidade que estão vivendo, os riscos que estão correndo e sobre o que deixaram para trás nos Estados Unidos, mas em nenhum momento, nenhum deles questiona o porquê da guerra e por quais motivos estão realmente entregando suas vidas. A arrogância dos soldados americanos, que pode ser vista em diversas passagens, funciona mais como uma exaltação pelo poder conquistado, do que como uma crítica à forma de atuação do exército. Em alguns momentos a reação deles chega a parecer bizarra de tão distante da realidade, os atos de compaixão chegam a parecer surreais. O desfecho da história, que beira ao ridículo, sugere um apego quase masoquista do militar aos riscos que ele se expõe na guerra, coisa que seria normal de se ver apenas em um filme do nível da franquia de Rambo. Não sei explicar como, mas tudo isso que observei no filme foi ignorado pela crítica especializada, que o ovacionou de pé.

 

O sucesso de crítica alcançado por Guerra ao Terror era totalmente inesperado e provocou um fenômeno curioso. Aqui no Brasil, o filme foi lançado direto em DVD, sem passar pelas telonas. Porém, quando começou a ser supervalorizado no exterior, o longa reestreou novamente no país, desta vez nas principais salas de cinema. Naquele ano ele conseguiu ainda a proeza, injusta ao meu modo de ver, de levar, dentre outras, as estatuetas de Melhor Filme, Diretor e Roteiro Original. Naquela edição do Oscar, o favorito a estes prêmios era uma superprodução escrita, dirigida e produzida por James Cameron, ex-marido de Kathryn Bigelow. Avatar (2009), apesar de ser um típico filme do diretor, que apela para histórias clichês e abusa de efeitos especiais, tem ao seu favor o fato de ir na contramão de Guerra ao Terror no tocante aos temas que ambos abordam direta ou indiretamente. O trabalho de Cameron pode ser considerado uma alegoria da atuação dos Estados Unidos no Oriente Médio e de sua ganância pelo petróleo e isso talvez possa explicar porque um e não o outro abocanhou os principais prêmios. Eu, no entanto, não enxergo em nenhum deles qualidades que justifiquem os elogios recebidos por ambos. Indico Guerra ao Terror apenas para quem se dispuser a assisti-lo com olhos bem críticos, caso contrário passe longe!

Guerra ao Terror ganhou os Oscars de Melhor Filme, Diretor, Roteiro Original, Edição, Som e Edição de Som, tendo sido indicado também nas categorias de Melhor Trilha Sonora, Fotografia e Ator (Jeremy Renner). O filme também recebeu três indicações ao Globo de Ouro, nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Diretor e Melhor Roteiro.

Assista ao trailer de Guerra ao Terror no You Tube, clique AQUI!

.

Como Treinar seu Dragão

Como Treinar seu Dragão (How to Train Your Dragon) - 2010. Dirigido por Chris Sanders e Dean DeBlois. Escrito por William Davies, Dean DeBlois e Chris Sanders, baseado no romance homônimo de Cressida Cowell. Música Original de John Powell. Produzido por Bonnie Arnold. DreamWorks Animation. / USA.

 

O sonho do homem de voar vem desde a antiguidade e na mitologia grega foi ele o que inspirou o mito de Ícaro. Segundo a estória, Ícaro teria ficado preso junto com seu pai, Dédalo, no labirinto, onde tempos antes Teseu matara o Minotauro. Na tentativa de escapar do labirinto, Dédalo criou asas para si e para o filho, feitas com penas de gaivota atadas com cera de mel de abelha. Ao receber as asas do pai, Ícaro foi alertado sobre os perigos de voar próximo do sol e do mar, pois as asas poderiam se derreter ou se tornarem muito pesadas. O desfecho da história, motivado pela desobediência de Ícaro, já deve ser do conhecimento de todos, tal final trágico confere ao mito um caráter moralizante, que alerta sobre os perigos de transcender sua própria natureza e ir além de seus limites. Porém tais limites não existem quando se trata de arte. O cinema, a fantástica fábrica de sonhos, já tornou voar um sonho possível há muito tempo, mas mesmo depois de realizados os sonhos continuam a nos fascinar, queremos voar mais alto, tal como Ícaro ansiamos pelo perigo e por chegar o mais próximo possível do sol. Talvez isso explique em parte o que senti assistindo Como Treinar seu Dragão (2010) e o que torna o filme tão legal.

“Esta é Berk, fica ao norte de Desânimo e ao sul de Morrendo de Frio. Ela fica solidamente localizada no Meridiano da Miséria. Minha aldeia em uma palavra: sólida... Tem estado aqui por 7 gerações, mas cada casa aqui é nova em folha. Temos pesca, caça e um belo pôr-do-sol. O único problema são as pragas. A maioria dos lugares tem ratos ou mosquitos... mas nós temos... DRAGÕES!” Brilhantemente, eta narração feita em off pelo personagem principal no início do filme, resume a realidade do local onde a trama está ambientada. Aquele vilarejo viking encravado nas montanhas de fato não tema nada do que viver além da caça e da pesca, se é desanimador fugir para o sul, para o norte gelado seria pior ainda. Como o personagem explica na sequência, as casas são todas novas pois são frequentemente destruídas pelos ataques de diversas espécies de dragões.

 

A história gira em tono do garoto Soluço (voz de Jay Baruchel no original), o personagem que nos conta a sua história e o drama de seu povo. Desde a primeira sequência percebemos que ele não é muito querido em seu vilarejo por ser desastrado e um péssimo caçador de dragões, ele sofre com a falta de crédito dos mais velhos e com o bulling (tá na moda) feito pelas crianças de sua faixa etária. Durante o ataque de dragões mostrado na primeira sequência, Soluço desobedece o pai e sai do abrigo para tentar abater um dragão e recuperar a confiança de seu povo. Contrariando todas as expectativas, ele consegue acertar um Fúria da Noite, uma das espécies mais raras e perigosas, que até então nunca tinha sido vista por nenhum viking. No entanto o crédito de Solução não vem, pois ninguém testemunhou seu feito e já não dão mais ouvidos para o que ele fala. No dia seguinte, o garoto contraria mais uma vez o conselho do pai e vai em busca do dragão que acertara. Ele encontra o Fúria da Noite imobilizado, mas ao perceber no olhar do dragão aquilo que ele mesmo sentira a vida toda, ele desiste de aplicar um golpe fatal e acaba soltando-o. O dragão o ataca furiosamente, mas também desiste de matá-lo no último momento.

 

Soluço descobre que o Fúria da Noite, que ele apelida de Banguela, não consegue mais voar por ter perdido uma parte da calda, ele passa então a levar alimentos para o dragão e assim, pouco a pouco, ele vai ganhando a sua confiança. À medida que vai conhecendo Banguela melhor, Soluço vai desfazendo o preconceito que nutria contra os dragões, sentimento este que herdara de seu povo. O garoto percebe deste modo que não precisa ser aquilo que os outros esperam que ele seja, mas, devido ás pressões do pai e da vila, ele dá continuidade ao curso de caça, no qual se matriculara para se aproximar de Astrid (voz de America Ferrara no original), uma garota que ele tenta impressionar a todo custo. Soluço experimenta o que poderia ser classificado como um conflito ético, ela não sabe se rompe com os costumes de seu povo e defende o novo amigo, ou se usa o que aprendeu sobre os dragões para aniquilá-los.

 

Como Treinar seu Dragão tem uma mensagem tanto bela quanto urgente, pois fala de compreensão de diferenças e superação de preconceitos, virtudes que nossa sociedade tem ignorado ou cultivado apenas por hipocrisia. A posição do vilarejo no tocante à questão dos dragões é assustadoramente semelhante à nossa atitude diante de temas que ainda causam polêmica no mundo contemporâneo. O filme ainda nos ensina a valiosa lição de que em determinadas situações não é preciso lutar contra os nossos medos, apenas domá-los e compreendê-los melhor. A virtude do personagem principal não está em sua coragem, nem seu posicionamento diante do vilarejo pode ser considerado um comportamento vicioso. Quando os costumes e a tradição se tornam opressores e contrários à noção pessoal do que é correto, é sinal de que a moral vigente está sendo posta em cheque, o que em algumas situações pode ser algo negativo, mas na maioria das vezes não o é...

 

Além do conteúdo excelente, que o torna uma produção quase Pixariana, o filme ainda nos presenteia com belíssimas imagens. A sensação de estar voando, junto com Soluço, sobre o dragão é indescritível e o filme a reproduz com maestria singular. Poucas vezes na história do cinema a sensação de voar livre, acima das nuvens e dos problemas cotidianos, foi tão bela e carregada de significados, sendo para nós expectadores uma experiência mágica, que por si só já faria o filme valer a pena. O filme peca, na minha opinião, apenas na dublagem feita por Jay Baruchel, que parece em alguns momentos estar fora de sintonia com aquilo que o personagem dublado aparenta sentir, mas isso é apenas um detalhe... Como Treinar seu Dragão é uma prova concreta de que a animação talvez seja o gênero em que o cinema mais amadureceu nos últimos anos e de que isso não se deve tão somente à revolução tecnológica... Altamente indicado para crianças de todas as idades!

Como Treinar seu Dragão foi indicado aos Oscars de Melhor Filme de Animação

e Melhor Trilha Sonora.

Assista ao trailer de Como Treinar seu Dragão no You Tube, clique AQUI!

.

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (4 Luni, 3 Saptamani si 2 Zile) - 2007. Escrito e dirigido por Cristian Mungiu. Direção de Fotografia de Oleg Mutu. Produzido por Cristian Mungiu e Oleg Mutu. Mobra Films. / Romênia.

 

É quase impossível tocar em um tema tão polêmico como o aborto, sem fomentar discussões acaloradas e radicalismos. Mesmo sendo tão difícil, o cinema realizou esta façanha em pelo menos duas ocasiões. A primeira foi com O Segredo de Vera Drake (2004), de Mike Leigh, este excelente filme abre espaço para questionamentos profundos sobre esta prática e consegue colocar pulgas atrás das orelhas, mesmo daqueles que já têm uma opinião consolidada sobre o tema, como é o meu caso, sem com isso parecer panfletário ou unilateralista. 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias (2007) foi outro longa que construiu sua trama sobre o tema, sem precisar ser taxativo ou defender posições radicais, neste filme o aborto ganha um significado maior, ao ser o fato social tomado como objeto de uma analogia com os tempos da ditadura comunista na Romênia. 

O filme é ambientado no final da década de 80, ocasião em que a Romênia ainda estava sob o governo ditatorial de Nicolae Ceauşescu, a história tem seu foco direcionado para a vida de Otilia Mihartescu (Anamaria Marinca) e Gabriela Dragut (Laura Vasiliu), duas jovens universitárias com vinte e poucos anos que dividem um quarto em um alojamento estudantil em Bucareste. O drama, seco e amargo, característico do filme, permeia a obra da primeira a última cena. Já nas primeiras sequências descobrimos que Gabriela está grávida e que ela não pretende ter a criança, ela decide então fazer um aborto, procedimento ilegal no país desde os anos 60. Pode parecer estranho que um país comunista, que estaria livre de dogmatismos religiosos, pudesse condenar o aborto, mas isso acontece não motivado por uma crença ou pela justa defesa da vida, mas sim porque o estado acreditava que investir em altos índices de natalidade pudesse ser bom para o futuro do país.

 

A gravidez de Gabriela, conforme o título do filme sugere [em uma alusão brilhante à uma contagem regressiva], já tinha passado do quarto mês, o que classificaria o ato abortivo como homicídio e não apenas como delito contra o estado. Se, como é mostrado no filme, na Romênia era difícil comprar até cigarros, anticoncepcionais e sabonetes, produtos adquiridos apenas através do contrabando, imagina então o quão difícil poderia ser fazer um aborto. Através da indicação de amigas, as duas garotas descobrem como contactar pessoas que realizavam o procedimento. Após juntar uma modesta quantia em dinheiro as duas jovens entram em contato com Bebe (Vlad Ivanov), um profissional clandestino que induzia o aborto, introduzindo uma sonda no útero da paciente. O que Otilia não sabia é que o preço que pagaria pela decisão de ajudar a amiga a interromper a gestação seria muito mais alto do que imaginava e que em algum momento as coisas poderiam sair de seu controle.

 

O filme não deixa de ser uma crítica à sociedade Romênia e aos seus costumes. Ao partir exclusivamente da visão de Otilia, a angulação aponta a fraqueza, a falta de atitude e a ingenuidade de Gabriela, que numa analogia mais ousada, pode ser comparada à situação angustiante da população do país, que temia o confronto com os costumes impostos, vivendo numa condição de hipocrisia e conformismo. Este olhar pessimista e evasivo de alguém que não consegue se adaptar ao meio, fica ainda mais evidente em uma sequência que mostra um jantar em família, no qual vêm à tona o preconceito e o moralismo cego daquela sociedade. Mais uma vez é o olhar de Otila que pontua e personifica tudo aquilo que o filme está querendo transmitir. É então que percebemos que o aborto em si é um tema quase secundário na trama, tal como fora em O Segredo de Vera Drake...

 

Algo curioso é que durante quase o todo o filme, o plano usado na captura das imagens mostra apenas o campo de visão suficiente para se enxergar um personagem à meia altura. Na verdade, na maioria das cenas os personagens estão sentados dialogando, ou observando algo, o que nos leva a crer que tais conversações e ponderações são muito mais importantes que as pessoas em si, é como se fossemos convidados o observá-las apenas quando elas estão nestas circunstâncias, pois ao saírem delas, ao ficarem ficarem de pé, eles são cortados pelo plano de filmagem, como se estivessem sendo descartadas. Outra interpretação possível seria a de que isto se deva ao fato de o filme transitar por situações consideradas subversivas, ou abaixo da linha do que se tem convencionado como “normal” pela moral vigente.

 

Os atores principais estão muito bem e os diálogos são muito bem escritos, preste atenção nos diálogos da sequência que se passa em uma quarto de hotel e na já citada cena do jantar em família. A câmera instável que persegue uma das personagens na maior parte do longa atenua a tensão que vai se desenvolvendo e nos envolvendo no decorrer do filme. O final, que obviamente não pretendo contar aqui, é do tipo mais simples possível, porém é também de uma força tamanha, é daqueles que nos induz a uma reflexão acerca da tema abordado, que poderá nos acompanhar por dias... Sem dúvidas é uma grande obra, forte pela sua temática e pelas reflexões que alimenta. Recomendo!

4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias ganhou a Palma de Ouro, prêmio máximo do Festival de Cannes. O filme foi indicado também ao Globo de Ouro na categoria de Melhor Filme em Língua Estrangeira.

Assista ao trailer de 4 Meses, 3 Semanas e 2 Dias no You Tube, clique AQUI !

.